僕の勝手なCover Selection：『Down Under』— オーストラリアの魂を現代に鳴らすHSCC渾身のカバー

原曲の視線を、ライブの推進力で更新するオーストラリアの魂を揺さぶる名曲——歌詞に隠されたスラングと誇り

■HSCCについて詳しくは、こちらから➡｜HSCCという奇跡のバンドを知っていますか？

はじめに：なぜ今、HSCCがこの曲を歌うのか

世界中に数多ある「ご当地ソング」の中でも、オーストラリアにおけるMen at Work（メン・アット・ワーク）の『Down Under』ほど、国民のアイデンティティと深く結びついた楽曲は稀でしょう。

1981年にリリースされ、全米・全英チャートを制覇。1983年のアメリカズ・カップ（ヨットレース）でオーストラリアが勝利した際には、国歌のようにこの曲が合唱されました。まさに、オーストラリアの「非公式な国歌」です。

そして2022年。この偉大なアンセムに、同じくオーストラリア・アデレードを拠点とする世界屈指のカバーバンド、HSCC（The Hindley Street Country Club）が挑みました。

彼らの演奏動画は、単なる「懐メロの再現」ではありません。同郷のミュージシャンとしての誇り、そして現代最高峰の演奏技術が融合した、ひとつの「到達点」です。

本記事では、計4000文字超のボリュームで徹底解説します。

まずは公式YouTube動画をご覧ください。

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楽曲背景：80年代の熱狂と「Down Under」の意味

タイトルの「Down Under（ダウン・アンダー）」とは、世界地図の下側、つまり南半球に位置するオーストラリア（およびニュージーランド）を指す愛称であり、スラングです。

かつてイギリスの植民地であった彼らにとって、この言葉は「地球の裏側」という自虐を含みつつも、独自の文化を築き上げたという強烈な「プライド」の象徴でもあります。

この曲がヒットした80年代初頭は、MTVの台頭とともに、オーストラリアのポップカルチャーが世界へ進出し始めた時期と重なります。Men at Workは、レゲエのリズムを取り入れたニュー・ウェーブ・ロックで、その先陣を切りました。

歌詞深掘り：旅するオージーの冒険譚

歌詞は、世界中を旅するオーストラリア人の男が、行く先々で経験する奇妙な出会いを描いています。一見ナンセンスに見える歌詞には、当時のオーストラリア人が抱いていた「世界から見た自分たち」という自意識が巧みに織り込まれています。

物語の重要なキーワードを、文化的背景とともに紐解いていきましょう。

1. Fried-out Kombi（焼き切れたコンビ）

“Travelling in a fried-out Kombi / On a hippie trail, head full of zombie”

冒頭のこの一節だけで、聴き手は70年代後半〜80年代の空気感に引きずり込まれます。

• Kombi（コンビ）: フォルクスワーゲンの「タイプ2（ワーゲンバス）」のこと。サーファーやヒッピーたちの移動手段の象徴です。
• Fried-out（焼き切れた）: 酷使されてエンジンがオーバーヒートしている状態、あるいは、乗っている人間自身が熱さと旅の疲れで参っている状態を指します。
• Hippie trail（ヒッピー・トレイル）: ヨーロッパから南アジア、東南アジアを経てオーストラリアへ至る、バックパッカーたちの陸路の旅路。

つまり、主人公はボロボロのバンに乗り、砂埃にまみれながら荒野を旅しているのです。この「タフで自由な旅人」というイメージこそ、オーストラリア人の原風景のひとつと言えます。

2. Head full of zombie（頭の中はゾンビで一杯）

ここでの「Zombie」は、ホラー映画の怪物ではありません。スラングとして「極度のマリファナ（大麻）の品種」、あるいはそれによって「思考が停止し、ぼんやりとした状態」を指していると解釈されるのが一般的です。

ヒッピー文化の名残を引きずりながら、どこか現実離れした感覚で旅を続ける若者の虚無感や、当時のドラッグカルチャーの一端が、この短いフレーズに凝縮されています。

3. Vegemite sandwich（ベジマイト・サンドイッチ）

“He just smiled and gave me a Vegemite sandwich”

2番の歌詞でブリュッセル（ベルギー）の男が登場し、主人公に差し出すのがこの「ベジマイト・サンドイッチ」です。これこそが、この曲を象徴する最強のパワーワードです。

• Vegemite（ベジマイト）: 醸造酵母の抽出物から作られる、オーストラリアの国民的発酵食品。

真っ黒で、強烈な塩気と独特の臭気を持つこのペーストは、オーストラリア人以外には「罰ゲームのような味」とされることも多い食品です。しかし、彼らにとっては幼少期から慣れ親しんだ「ソウルフード」。

異国の地で、「お前、オーストラリアから来たんだろ？ これが好きなんだろ？」とニヤリと笑ってベジマイトを差し出される。この描写には、「世界中どこに行っても、俺たちはベジマイトを食う変な奴らだと思われている（だが、それがいい）」という、強烈な連帯感とユーモアが込められています。

4. Men plunder / Men chunder

サビの歌詞にも、彼らの野性味が溢れています。

• Men plunder（男たちは略奪する）: 植民地時代の歴史や、荒々しい開拓者精神のメタファー。
• Men chunder（男たちは吐く）: 「Chunder」は嘔吐するという意味の強烈なオージー・スラング。

美しい自然（Women glow）と対比されるように、「ビールを飲みすぎて吐く男たち」が描かれます。高尚な詩ではなく、泥臭い現実をそのまま歌うことで、この曲は労働者階級（ブルーカラー）の心をつかみ、国民歌へと昇華したのです。

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HSCCが鳴らす「解像度」——ライブアレンジの妙技とJordan Lennonの咆哮

HSCCによる「再構築」の衝撃

前述の通り、『Down Under』はオーストラリア人にとって聖域とも言える楽曲です。下手に触れば火傷をするようなこの名曲に対し、HSCC（The Hindley Street Country Club）は、真正面から、しかし極めて洗練されたアプローチで挑みました。

彼らの演奏動画（YouTube）を再生した瞬間、オリジナル版を知る人はある「違い」に気づくはずです。それは、「音の太さ」と「リズムの解像度」です。

オリジナルであるMen at Workのバージョンは、80年代特有のどこか軽く、チープでポップな音作りが魅力でした。しかしHSCC版は、そのポップさを残しつつ、現代のオーディオシステムで鳴らすに相応しい、強靭なファンク・ロックへと昇華させています。

ここからは、各パートの注目ポイントを具体的に分析します。

1. Jordan Lennon：若きロックスターの資質

このカバーを決定的な名演にしている最大の要因は、ボーカルの Jordan Lennon（ジョーダン・レノン） の存在です。HSCCの動画には多数のシンガーが登場しますが、ロックナンバーにおける彼の爆発力は群を抜いています。

コリン・ヘイとの対比

オリジナルのボーカル、コリン・ヘイは、少し鼻にかかったような、飄々とした歌い方が特徴でした。「旅人の独り言」のような風情があったのです。

対してJordan Lennonのアプローチは、「スタジアム・ロック」のそれです。

イントロからAメロにかけては抑え気味に入りつつも、声の端々に隠しきれない倍音の豊かさが滲み出ています。そしてサビの “I come from a land down under” に突入した瞬間、その声は突き抜けるような輝きを放ちます。

特に注目すべきは、歌詞の語尾処理です。

“Can’t you hear, can’t you hear the thunder?”

この「Thunder」のフレーズで見せる、力強くも艶のあるビブラート。若さゆえのパワーと、ベテランのようなコントロールが同居しています。彼が歌うことで、この曲は「過去のコミックソング」ではなく、「現在進行形のアンセム」として響くのです。

2. リズムセクション：鉄壁のグルーヴ

HSCCの心臓部、ベースの Constantine Delo（コンスタンティン・デロ） と、ドラムの Brad Polain（ブラッド・ポレイン） のコンビネーションはこの曲でも健在、いや、いつも以上に「熱い」演奏を見せています。

レゲエとロックの融合

『Down Under』のリズムは、レゲエの影響を受けた裏打ち（スカ・ビート）が基本です。しかし、単なるレゲエにしてしまうと軽くなりすぎてしまいます。

ドラムのBradは、ハイハットのオープン・クローズで軽快な裏打ちを刻みつつ、スネアとバスドラムは重戦車のように重く、タイトに落としています。

この「上モノは軽快、ボトムは重厚」というバランスが、HSCCサウンドの真骨頂です。聴いていると自然に体が動いてしまうのは、このリズム隊が完璧な「ポケット（心地よいリズムの窪み）」を作り出しているからです。

3. アレンジの妙：フルート・リフの再現

『Down Under』といえば、グレッグ・ハムが吹いたあの象徴的なフルートのイントロが不可欠です。しかし、HSCCの編成にはフルート奏者がいません。

そこで彼らは、キーボード（Dave Ross）とギター（Jake Milic）のユニゾンでこのフレーズを再現しました。

シンセサイザーの音色は、あえて80年代風の少しチープな管楽器の音をシミュレートしており、原曲へのリスペクトを感じさせます。同時に、ギターが同じ旋律をなぞることで音に厚みが加わり、ライブバンドとしての迫力が増しています。

「ないものは工夫して補う、しかも原曲よりカッコよく」。これがHSCC流のアレンジ哲学です。

4. 映像から伝わる「現場」の空気

HSCCの魅力は音だけではありません。映像から伝わる「スタジオの空気感」も重要な要素です。

彼らの動画は常に「一発録り」に近い緊張感と、メンバー同士が顔を見合わせて笑い合うリラックスしたムードが同居しています。

『Down Under』の動画でも、ソロ回しの際にメンバーが互いに目配せをし、良いフレーズが出た瞬間にニヤリと笑うシーンが確認できます。

これは、彼らが楽譜通りに演奏するマシーンではなく、「その場の空気を音楽に変える職人たち」であることを証明しています。オーストラリアの気心知れた仲間たちが、自国のアンセムを心から楽しんで演奏している。そのポジティブなバイブレーションこそが、視聴者の心を掴んで離さないのです。

おわりに：時代を超えて響く「雷鳴」

“Can’t you hear, can’t you hear the thunder?”（雷の音が聞こえないか？）

歌詞にある「雷（Thunder）」は、変化の兆しや、抗えない力強さの象徴です。

1981年、Men at Workが世界に轟かせた雷鳴は、40年の時を経て、HSCCという新たな雷鳴となって再び鳴り響きました。

彼らのカバーは、単に過去を懐かしむためのものではありません。「良い曲は、良いプレイヤーが演奏すれば、いつの時代でも新しく響く」という音楽の真理を、私たちに教えてくれているのです。

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