僕の勝手なBest10【Chicago（シカゴ）編】ロックとブラスを融合させ、ポップス史を塗り替えた「シカゴの奇跡」

ロックの熱量とブラスの速度が交錯した時代

1960年代後半、ロックは大きな変革期を迎えていました。サイケデリック・ロック、ヘヴィ・ロック、アート・ロック、ジャズ・ロックが次々と新しい表現を生み出し、ポピュラー音楽の地図は激しく塗り替えられようとしていました。

その混沌の中から現れたのが、アメリカ中西部の都市シカゴで生まれたバンド、Chicagoです。

彼らが画期的だったのは、ホーン・セクションを単なる装飾や背景ではなく、ロック・バンドの真正面に立つ主役級の楽器として押し出した点にあります。

もちろん、R&Bやソウル、ジャズの世界では、それ以前からホーンは重要な役割を果たしていました。しかしChicagoは、その鋭いブラスの響きを、歪んだエレキギター、うねるベース、力強いドラムと真正面からぶつけ、ロックの中核に据えたのです。

ジャズの高度なコード感、クラシック的な構成美、ロックの熱量、そしてポップスとしての親しみやすさ。Chicagoの音楽は、それらを一つの巨大な音の建築物として組み上げていきました。

リードギターのように咆哮するホーン・セクション。交響楽のように呼吸するロック・バンド。Chicagoの奇跡は、まさにその両方を同時に成立させたところにあります。

Windy Cityで生まれた音楽共同体

すべてを自分たちで鳴らすバンド

Chicagoの始まりは、1967年のイリノイ州シカゴに遡ります。

ウォルター・パラザイダー、ジェームズ・パンコウ、リー・ラフネインという管楽器奏者たちの構想に、テリー・キャス、ロバート・ラム、ダニー・セラフィンらが加わり、やがてピーター・セテラを迎えることで、後のChicagoへとつながる原型が形作られていきました。

ウォルター・パラザイダーはサックスと木管楽器を担い、ジェームズ・パンコウはトロンボーンで華麗なアレンジの中心となり、リー・ラフネインはトランペットで高らかな輝きを加えました。

そこに、ブルースの魂を宿したギタリスト兼ボーカリストのテリー・キャス、知的でソウルフルな作曲家ロバート・ラム、ジャズの複雑なリズム感をロックへ注ぎ込むダニー・セラフィン、そして澄み切ったハイトーンを持つピーター・セテラが加わります。

Chicagoの強さは、単にホーンが入っていたことではありません。ロバート・ラム、テリー・キャス、ピーター・セテラという個性の異なるボーカリストがいて、曲ごとに主役が入れ替わる。その上で、バンド全体が一つの生命体のように鳴る。ここに、他のバンドにはない独自のダイナミズムがありました。

当初「ザ・ビッグ・シング（The Big Thing）」として活動していた彼らは、プロデューサーのジェームズ・ウィリアム・ガルシオの導きで1968年にロサンゼルスへ進出し、「シカゴ・トランジット・オーソリティ（Chicago Transit Authority）」へと改名します。ここから、彼らの大きな物語が動き始めました。

デビュー作が放った大胆すぎる宣言

2枚組デビューという異例の出発

1969年、彼らはデビュー・アルバム『シカゴ・トランジット・オーソリティ（シカゴの軌跡）』を発表します。新人バンドのデビュー作が2枚組LPというのは、当時としてはきわめて大胆な賭けでした。

しかし、Chicagoにはそれだけの音楽的な情報量がありました。短いシングル曲だけでは収まりきらない構成、長尺の演奏、政治的なメッセージ、実験的な音響、そしてポップなメロディ。そのすべてを表現するには、2枚組という大きな器が必要だったのです。

「いったい現実を把握している者はいるだろうか？（Does Anybody Really Know What Time It Is?）」や「ビギニングス（Beginnings）」には、ロバート・ラムらしい都会的な知性と親しみやすいメロディが息づいています。

「クエスチョンズ67/68（Questions 67 and 68）」では、若きバンドの勢いとブラスの華やかさが一気に弾けます。一方、テリー・キャス作の「イントロダクション（Introduction）」は、Chicagoというバンドのすべてを凝縮したマニフェストのような楽曲でした。

さらに、1968年の民主党全国大会をめぐる反戦デモと警官隊の衝突の音声を取り込んだ「プロローグ（8月29日1968年）」、アンプのフィードバック音を大胆に使った「フリー・フォーム・ギター」など、彼らの実験精神は最初から限界を知りませんでした。

このデビュー作は長くチャートに残り続け、Chicagoの名を一気に広めます。その後、本物のシカゴ市交通局からの法的クレームを避けるため、バンド名はシンプルに「Chicago」へと改められました。

1970年代の黄金期

複雑なのに、誰の耳にも届く音楽

1970年代に入ると、Chicagoは驚くべき創造力と商業的成功を同時に手に入れていきます。『シカゴII』『シカゴIII』、そして4枚組ライブ盤『シカゴ・アット・カーネギー・ホール』に至るまで、彼らは複数枚組の大作を次々と発表しました。

『シカゴII』では、ジェームズ・パンコウによる組曲「バレエ・フォー・ア・ガール・イン・ブキャノン」から、「ぼくらに微笑みを（Make Me Smile）」や「カラー・マイ・ワールド（Colour My World）」が生まれます。クラシック的な構成とポップな親しみやすさを両立させたこの組曲は、Chicagoの音楽性を象徴する重要な成果でした。

さらに「長い夜（25 or 6 to 4）」では、鋭いギターとブラスが緊張感を生み、「自由になりたい（Free）」では、ロック・バンドとしての攻撃性が前面に出ます。

この時期のChicagoは、難解な音楽を演奏しているのに、決してリスナーを置き去りにしませんでした。複雑なアンサンブルの中に、いつも強いメロディと人懐っこい躍動感がありました。

その魅力が最も明るく開いた曲の一つが、「サタデイ・イン・ザ・パーク（Saturday in the Park）」です。都市の公園に広がる開放感を、軽やかなピアノとブラスで描いたこの曲は、Chicagoが単なる技巧派バンドではなく、誰もが口ずさめるポップ・ソングを作れるバンドであることを証明しました。

「俺たちのアメリカ（Dialogue Part I & II）」では社会への問いかけを投げかけ、「愛のきずな（Just You ‘n’ Me）」ではロマンティックな表情を見せ、「君とふたりで（Call on Me）」「追憶の日々（Old Days）」「ハリー・トルーマン（Harry Truman）」では、アメリカという時代そのものを背負うような広がりも見せていきます。

Chicagoは、社会性、知性、ポップ感覚、演奏力を同じステージ上で鳴らすことのできる、きわめて稀な存在だったのです。

テリー・キャスという野生の魂

初期Chicagoの音楽を語る上で、テリー・キャスの存在は欠かせません。彼のギターは、単なる技巧ではなく、ブルースの泥臭さ、ロックの荒々しさ、そして前衛的なノイズ感覚を併せ持っていました。

ジミ・ヘンドリックスがテリー・キャスの才能を高く評価していたという逸話は、今なおよく語られています。真偽の細部は伝説めいた部分もありますが、少なくとも当時のミュージシャンたちがChicagoの演奏力に強い敬意を抱いていたことは間違いありません。

テリー・キャスがいたからこそ、Chicagoの音楽はどれほど洗練されても、ロックとしての危険な香りを失いませんでした。彼は、Chicagoのポップな側面と硬派なロック性をつなぎ止める、バンドの「野生の魂」だったのです。

悲劇、混迷、そしてバラードの成功

1970年代後半の光と影

1970年代半ば、Chicagoは世界的な成功の頂点に立っていました。アルバムは次々とヒットし、バンドの人気は巨大なものになります。

1976年には、ピーター・セテラが歌う「愛ある別れ（If You Leave Me Now）」が全米・全英で1位を獲得し、グラミー賞も受賞しました。この曲は、Chicagoに新たな可能性をもたらします。ブラス・ロックの革新者であると同時に、世界中の人々の胸を打つバラードを生み出せるバンドでもあることを証明したのです。

その流れは「朝もやの二人（Baby, What a Big Surprise）」にも受け継がれます。ピーター・セテラの澄み切った声と、洗練されたアレンジによって、Chicagoのロマンティックな側面はさらに明確になっていきました。

しかし、その成功の裏側では、メンバーの疲弊、音楽的な方向性のズレ、そして避けがたい悲劇が近づいていました。

1978年1月23日、テリー・キャスが友人宅で拳銃の暴発事故により急逝します。わずか31歳でした。

この死は、Chicagoにとって単なるメンバーの喪失ではありませんでした。バンドの精神的な支柱、そしてロックとしての荒々しい核を失う出来事だったのです。

残されたメンバーは深い喪失感の中でバンドの継続を選び、新ギタリストにドニー・ダカスを迎えて『ホット・ストリート』を発表します。「アライヴ・アゲイン（Alive Again）」には、悲しみを越えてもう一度立ち上がろうとする意志が感じられます。

しかし、音楽シーンはディスコやニュー・ウェイヴへと急速に移り、Chicagoは自分たちの立ち位置を見失いかけます。『シカゴXIII』『シカゴXIV』の時期にはかつての勢いを失い、長年所属したコロムビア・レコードとの契約も終了しました。

Chicagoは、最初の大きな壁にぶつかっていたのです。

1980年代の復活

デヴィッド・フォスターによる再構築

誰もが「Chicagoは過去のバンドになった」と見なし始めた頃、彼らは劇的な復活を遂げます。そのきっかけとなったのが、ワーナー・ブラザーズへの移籍と、デヴィッド・フォスターとの出会いでした。

フォスターは、Chicagoを大胆に再構築します。彼はピーター・セテラの伸びやかで甘美なテナー・ヴォイスに大きな可能性を見出し、バンドを「ブラス主体のプログレッシブなロック・バンド」から、「洗練されたAOR／アダルト・コンテンポラリー路線の代表格」へと導いていきました。

1982年の『シカゴ16』から生まれた「素直になれなくて（Hard to Say I’m Sorry）」は、全米1位を獲得します。かつてのChicagoとは音の手触りが大きく変わっていましたが、美しいメロディ、緻密なアレンジ、そしてセテラの声の魅力は、新しい世代のリスナーにも強く届きました。

続く「ラヴ・ミー・トゥモロウ（Love Me Tomorrow）」でも、80年代らしい壮大なサウンドと切実な歌声が見事に結びつきます。

そして1984年の『シカゴ17』では、「ステイ・ザ・ナイト（Stay the Night）」「忘れ得ぬ君（Hard Habit to Break）」「君こそすべて（You’re the Inspiration）」などのヒットが続き、ChicagoはMTV時代にも存在感を示しました。

この時期、ホーン・セクションは前面から少し後退します。しかし、要所で響くブラスの鋭さと品格は、やはりChicagoならではのものでした。彼らは姿を変えながらも、完全には自分たちのDNAを失っていなかったのです。

セテラ脱退後も続いた物語

受け継がれるChicagoのDNA

1985年、ピーター・セテラはソロ活動への専念などを理由にバンドを脱退します。商業的な再成功の直後に、中心的な声を失ったことは、Chicagoにとって再び大きな試練でした。

しかし、Chicagoはそこで終わりませんでした。新たにジェイソン・シェフをベーシスト兼ボーカリストとして迎え、バンドは新体制へと進みます。

「Will You Still Love Me?」では、セテラ脱退後の不安を振り払うような大きなヒットを放ちます。さらに1988年の『シカゴ19』からは、ビル・チャンプリンがリード・ボーカルを務めた「ルック・アウェイ（Look Away）」が全米1位を獲得しました。「I Don’t Wanna Live Without Your Love」も含め、Chicagoは80年代後半にも商業的な存在感を保ち続けます。

メンバーの入れ替わり、音楽シーンの変化、そして時代の荒波。それらを何度も受けながらも、Chicagoはライブ・バンドとしての活動を続け、半世紀を超えるキャリアを築いていきました。

2016年には、ロックンロールの殿堂入りを果たします。世界で1億枚以上のレコードを売り上げた彼らは、まぎれもなくポピュラー音楽史において最も息の長いロック・グループの一つです。

🌹 「僕の勝手なBest10」へのプロローグ

Chicagoというバンドの本当の魅力は、その圧倒的な多様性にあります。

政治的なメッセージを込めたロックもあれば、都市の午後を描いた明るいポップ・ソングもある。
テリー・キャスの荒々しいギターが鳴る曲もあれば、ピーター・セテラの甘美な声が胸を締め付けるバラードもある。ブラスは時にリードギターのように咆哮し、時にオーケストラのように楽曲全体を包み込みます。

Chicagoは、ジャンルという境界線に縛られることを拒み続けたバンドでした。だからこそ、彼らの音楽は時代を超えて今なお鮮やかに響き続けているのだと思います。

これから始まる「僕の勝手なBest10【Chicago編】」では、この巨大で魅力的な音楽の迷宮へと一歩踏み込み、私の人生に深く刻まれた10曲を厳選して紹介していきます。

初期のブラス・ロック、70年代の開放的なポップ・ソング、社会と時代を見つめた楽曲、そして80年代のAOR／アダルト・コンテンポラリー路線。どの時代にも、Chicagoにしか鳴らせない音があります。

緻密極まるブラス・アレンジの妙、胸を穿つボーカルの競演、そして何年経っても色褪せないメロディの魔法。

あの輝かしい音の建築美を、一枚一枚紐解いていく旅へ、さあ共に出発しましょう。